Guy de Rougemont (1935-2021) French

Ses premières expositions personnelles se tiennent à l’étranger, notamment à la d’Arcy Gallery de New York en 1962. De 1962 à 1964, il est boursier de l’État à la Casa Velasquez de Madrid et présente ses travaux à la galerie Ateneo Mercantil de Valence en 1964. Il passe ensuite l’année 1965 à New York chez ses amis Jean et Irène Amic, où il rencontre les jeunes artistes de la scène new yorkaise tels que Andy Warhol, Robert Indiana et Frank Stella. Il s’ouvre à la peinture acrylique grand format, mesure la force des formes simplifiées et de la couleur en aplat. Son oeuvre est souvent assimilée aux courants du Pop Art et du Minimalisme, dont il s’inspire des formes, sans pour autant s’en revendiquer. Quatre grandes périodes peuvent être esquissées dans la carrière de Guy de Rougemont, définies à partir des formes géométriques composant ses oeuvres.

Dès les années 1965, il introduit l’ellipse, qu’il développe sur la surface de sa toile. En 1967, il réalise l’environnement pour le Hall Fiat des Champs Élysées à Paris, plaçant des toiles découpées en forme d’ellipses dans le lieu d’exposition, instaurant un dialogue entre art et automobile. À la suite de cet évènement, il crée ses premiers objets en volume. Durant la décennie 1970, il commence à utiliser le cylindre, une forme géométrique qu’il considère comme la parfaite combinaison de cercles et de lignes. Il l’utilise pour placer ses volumes polychromes dans l’espace, réalisant de grands cylindres, également surnommés « totems », « colonnes » ou encore « balises », qui prennent place dans l’espace urbain, comme sur la place Albert Thomas à Villeurbanne, ou dans l’espace intérieur, comme ses Colonnes de table. La Mise en couleurs d’un musée, au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris en 1974, marque l’apogée de son usage du cylindre. L’artiste recouvre les vingt colonnes du portique du musée de P.V.C coloré, de manière éphémère, jouant avec les frontières, plaçant son oeuvre entre intérieur et extérieur, sur le parvis du musée. À la fin de la décennie et particulièrement durant les années 1980, l’artiste délaisse le cylindre pour la surface tramée. Il réalise l’une de ses oeuvres majeures en 1986, la mosaïque de marbres colorés qui orne le pavement du parvis Bellechasse, devant le musée d’Orsay à Paris.

Finalement, à partir des années 2000 et jusqu’à la fin de sa vie, l’artiste déploie la ligne serpentine, signant un retour marqué à l’usage de formes courbes. Ses sources d’inspiration lui viennent de l’observation des Maîtres de l’histoire de l’art, en particulier Henri Matisse et des artistes qui lui sont contemporains, notamment son ami de longue date Eduardo Arroyo (1937 2018), qui déclare à son sujet qu’il « applique son langage à l’univers ».

L’artiste veut, comme de nombreux autres artistes du XXe siècle, décloisonner les arts. Son objectif est de placer la couleur dans l’espace de la vie quotidienne, ce qui passe par l’usage de l’ensemble des moyens artistiques mis à sa disposition. Néanmoins, il se décrit comme étant peintre avant tout: cette distinction est officialisée par ses pairs lors de sa nomination à l’Académie des Beaux-Arts au siège de peintre, en 1997.

Guy de Rougemont s’est éteint en août 2021.

 

Texte de Julie Goy, historienne de l’art et co-comissaire de l'exposition Incursion dans l'Atelier de Rougemont, Palais de l’Institut de France, Paris 6e.

 

Atelier de l'artiste à Marsillargues, 2019

© Ambroise Tezenas
Courtesy Fonds Guy de Rougemont

 

 Mise en couleurs d'un Musée, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 1974

© Fonds Guy de Rougemont